本文摘要：“美在天上，如有云朵，落人心目，日后剪裁，着根成艺。

“美在天上，如有云朵，落人心目，日后剪裁，着根成艺。”吴大羽曾如此总结艺术之因缘缘落。随着吴大羽市场的大大降温，突破千万级的作品更加多。

2017西泠秋拍电影呈现出的《瓶花》，是市场仅有闻的吴大羽20世纪50年代的绘画作品，实属中国抽象化艺术之原点、五四以来美学精神转型之奠基、具备启示性的先锋之作。静物《瓶花》的地位吴大羽不止一次地说道过“我所画我自己”，他一生有几个重复创作的主题，静物《瓶花》可算数其一。在对这个主题的重复呈现出中，一条能较完整的反映吴先生绘画风格演进的线索隐约可见。

吴大羽曾教导学生：“作画首先要真诚，不要流于小聪明。”1950年代创作的《瓶花》就保有了这样的真诚。

这是一张承上启下的作品，以其为基点，可大体照见吴大羽从整体风格、造型手段、色彩到线条四个方面的艺术发展轨迹。在整体风格上，《瓶花》似乎从执着块面感的塞尚式解析风格，南北了以六边形色彩层次来营造视觉质感的展现出风格。这个变化预示着吴大羽对画面肌底处置方法的转变，亲眼了其创作兴趣点从结构探寻到情感展现出，从理性向感性，从解构的耐心至色彩传达的关键时刻。

这为吴大羽后期更进一步水墨简化的权利画面建构了有可能。造型上，《瓶花》早已表明出对笔触表现力的理解。

有所不同笔触或力一整排序，或忽垫涂抹，浑沌着表现手法与抽象化的边界。这是吴大羽艺术创作中最重要的突破之一。

线条上，如果说吴大羽30年代的作品仍以均衡均匀分布的几何线条居多，那么转入50年代后，他的画面空间大大放宽，呈现出了显著核心区简化的偏向。犹如倒数加深的镜头，现实形象随着大大探讨挣脱了投影，清暗地轮廓大大消除，空间彼此交融，化作阴暗的光影形态。

果断中流动的色彩很多人指出吴大羽的色彩展现出体系来自野兽派。但和野兽派生猛的超越和势均力敌的撞击有所不同，吴大羽十分侧重“调性”的人与自然。主张“慎重进色，积时成彩”。讨厌于一个色调下，局部盛开色彩。

吴大羽也并没像马蒂斯那样以色块为框架，执着图样化、平面化，完全舍弃画面两翼。恰恰相反，吴先生或许对以厚薄色泽的颜色变化来结构空间，以维持气息的流动很有兴趣。他曾说道：“绘画是空间的艺术，但我的绘画是时间匹敌空间，其结果仍是为了展现出空间。

”为反映空间构图，吴大羽吸取了印象主义利用色彩明度劣和对比色来营造戏剧化光影的方法，这在50年代的《瓶花》中有数充份展现出。有所不同明度，饱和度的群青和绿联合交织出有稳重的青蓝调子。彼此亲吻的白，蓝，朱，白也渐渐沦为吴先生最不具代表性的色彩元素。特别是在是蓝白基调，完全跨越他所有的创作系列当中。

跟那个时代的很多艺术家一样，吴大羽颇受蔡元培“以美育代宗教”的影响。艺术的精神性沦为其艺术生命不可忽视的一部分。

在他显然，艺术是高度完备的精神之于人的反映，是“要它来代表真理的一面”。有可能正是基于这样的信仰，吴大羽坚信艺术的教化力量，他曾说道“人格的磨练，及于观感，观感的磨练，及于人格”且指出这种力量的来源来自于艺术语言本身。于是，在坚决艺术独立性的同时，吴先生近于赞成“为艺术而艺术”，对纵情欺骗显视觉形式不以为然，特别强调艺术无用于心，起到于心，甚至说道“我眼睛瞎了了也能画画”。

以执着美代替追随神，吴大羽堪称是蔡元培美育理论最忠心的践行者。

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